Современные курбасовцы

Этот театр был образован в 1988 году. 25 февраля, день рождения Леси Украинки и Леся Курбаса — стало датой рождения Львовского театра им. Л. Курбаса. Театры- студии тогда возникали, кажется, просто так, из ничего. Они, опьяненные подаренной свободой, поражали неслыханными афишными названиями, забавлялись и безобразничали, мастеря что-то из обломков традиционного реализма, что в целом называлось авангардом. Где они теперь, эти горячие и задорные? Выстояли немногие. Владимир Кучинский, художественный руководитель Театра им. Леся Курбаса не только выстоял, а и доказал свою творческую правоту и дальновидность. Театр не поражал афишными именами: Винниченко, Леся Украинка, Лина Костенко, позже — Достоевский. А на вечерах их поэзии зазвучали Богдан-Игорь Антоныч, Василий Симоненко, запрещенный еще тогда Васыль Стус.

Первые спектакли были приметны тем, что это были… спектакли. С интересными режиссерскими ходами, достойными актерскими работами, среди которых блистали Татьяна Каспрук и Олег Драч, а главное — с ощущением возможностей, которое подтверждалось с каждым новым спектаклем. Поиск формы всегда имел в основе четко определенную духовную доминанту.

ДРАГОЦЕННОСТИ АФОРИЗМОВ

Григорий Сковорода появился «Благодарним Еродієм» в 1993 году. Это был шаг театра на новую территорию.

... Когда-то школьник Володя Кучинский наткнулся где-то на книгу с необычным названием: «Сад божественних пісень». Все ли на то время понял, но, по собственному признанию, забавлялся драгоценностями афоризмов. Тот чудо-сад не отпускал, юноша рос вместе с ним (позже он будет читать в спектакле: «Росте Антонич, і росте трава»). Как режиссер Кучинский эти властные сочетания воплотил в спектакле. Было непреодолимое желание ввести в культурное обращение мысли Григория Савича, составляющие фундамент духовности человека. Ведь кто нынче пойдет в библиотеку читать Сковороду?

А театр? Со сцены звучат дидактические тексты о «благе рожать» и «благе дарить», о мировоззренческих основах бытия во взаимопроникновении с фантастической пластикой актеров в сценах средневековых представлений о рае и аде (заметим: никаких балетмейстеров не было, актеры сами «анимировали» «Страшный суд» Босха, картины Брейгеля). Поражала чистота, просвечивала доброта исполнителей, (не желание играть — а что-то в себе услышать, к чему- то прикоснуться). И когда Наталья Половинка шла к зрителям с корзиной красных яблок и дарила их, то даже взрослые хранили эти яблоки как реликвию. И так — все 12 лет, в течение которых идет спектакль!

Второе обращение к Сковороде — «Наркіс» (2005). «Пізнай самого себе»: животворная идея спектакля, которую, разрушив все высокомерно-нигилистические стереотипы «солидных» людей относительно поколения юных, именно молодые зрители восприняли горячо и заинтересованно. Это спектакль-литургия, которая несет, возносит, воодушевляет на духовное пение, вплетается в диалоги, иногда продолжает их и открывает потаенное, не позволяет стать обычным ни театральному действу, ни его восприятию. Курбасовцы — настоящие мастера акапельного пения, в частности, духовного. Основанное и управляемое Натальей Половинкой, являющейся автором программы «Ірмоси», оно звучит в «Наркіс», а кроме того — в церквях. Андрей Водичев (Наркис) «заболел» Сковородой уже будучи студентом Харьковского университета. В «Наркісі» актер овладел формой слова, движения, пения в творческой целостности. Но к Наркису, по его признанию, он будет идти всю жизнь.

Найти в себе истинного человека, который во всем равен сам себе — это и в спектаклях курбасовцев и по Платону. Для Кучинского в этих произведениях главное — «философия сердца», и предпосылкой каждого спектакля для него является любовь.

«Платон, — говорит Кучинский, — це ж ідеальна драматургія, ідеально працює містерія. І не треба нічого вигадувати, бо тільки почнеш вигадувати, — він тобі дулю під ніс тиче». (Относительно драматургии. Когда Кучинского пригласили на постановку в один из престижных театров, он предложил «Пир» Платона. Почтенные актеры ужаснулись и сказали, что это играть и смотреть это невозможно). Вот так!

В спектаклях «Хвала Эросу» и «Silenus Alicibiadis» (две части платоновского «Пира») легкая, светлая, лукаво-озорная атмосфера. Актеры достигают такого идеального уровня игры, когда забава не переходит в «капустник» и привлечение к действию зрителей не шокирует бесцеремонностью. Огромные монологи воспринимаются легко благодаря культуре (в частности, языковой) актеров и какой-то неисчерпаемости каждой индивидуальности (Андрей Водичев — Федр, Алексей Кравчук — Эриксимах, Денис Полищук — Агатон, а особенно — Олег Цена — Аристофан).

Спектакль «Хвала Эросу» зримо воспроизводит античность не театральную, белоколонную с голубым морем и небом, а теплую, живую, вплоть до подробностей женского повседневного труда… Это на фоне фресковых росписей на греческих вазах (художник — Александр Оверчук, костюмы — Ольга Баклан), звучит пение, в пластике присутствуют элементы танца. Живая плоть спектакля — театрально неделима с ее духом.

«Silenus Alcibiadis» — долгожданная встреча с Сократом (в первой части мы преимущественно слышали о его пире). Сократа играет Олег Стефан. В этом образе есть острота ума, мгновенность реакций, непреодолимая убедительность логики и безупречный артистизм. Как будто играючи, подает он нам истину в диалогах с партнерами, раскрывая противоречия в их позициях, жонглирует софизмами. Спектакль — настоящий пир мысли!

Отдадим должное и Андрею Водичеву. Его Аклибиад — «делегированный» в наше время адепт и друг Сократа, хранитель его памяти. Безукоризненно элегантный актер (он играет в современном костюме) воспринимается абсолютно естественно. И не думаешь ни о какой связи времен — просто так надо.

Творческие и этические векторы курбасовцев

* Суть театра — первостремление

* Идти сквозь время, со временем

* Территория театра мстит за потребительство

* Постоянное ощущение возможности

* Не желание играть — а что-то в себе услышать, к чему-то прикоснуться

* Тут ничего не бывает раз и навсегда

* Быть касательным всем ко всему

* Когда поймешь, что поиск — это жизнь, станешь своим на территории театра

ДРАМАТИЧЕСКАЯ СИМФОНИЯ

Все спектакли Театра им. Леся Курбаса, поставленные Владимиром Кучинским, с полным правом можно назвать авторскими… «Репертуар нашего театра, — говорит Кучинский, — это сито для зрителя, он отбирает элитарную публику.» И не важно, полон ли зал зрителей или есть «прогалины» среди кресел. Это обстоятельство не влияет ни на тонус, ни на качество спектаклей. Например, на «Марко проклятому» «прогалин» не бывает. Спектакль этот, в основу которого положена поэзия Василя Стуса, жанрово определена как «драматическая симфония». Темы симфонии — четверо ее участников, именно они стали лауреатами Национальной премии им. Т. Шевченко: актеры Олег Стефан (Марк), Наталья Половинка (безумная Галя), Андрей Водичев (козак Мамай), Владимир Кучинский (Манкурт). Все актеры признаются, что входят в этот спектакль как в храм.

Трое мужчин — это три пламенные молитвы; женщина — любовь, жена; женщина — Украина; женщина — Богоматерь. Именно так понимает свою роль Наталья Половинка — безумная Галя, которую привязали косами к горящей сосне. Потрясает сцена гибели Гали (нужно ли говорить, что никакой сосны и никаких веревок, и вообще никакой конкретики в спектакле нет?). Трагедия боли, исконной крестной муки женщины — в ритмичных покачиваниях актрисы, которая едва касается ногами земли: грешно-святая. Никаких пароксизмов.

Стилизованно-изысканные движения Андрея Водичева — Мамая. Согласно эстетике спектакля, у этого любимого народом характерника и мудреца нет в руках бандуры, но мы не только видим этот музыкальный инструмент, а словно слышим его голос. Мягкие, осторожные округлые движения Манкурта (Владимир Кучинский в этом спектакле выступает и как отличный актер). Его рефрен — «Верни до мене, пам’яте моя» — это крик к приспанным душам, забывшим свои родовые корни, вселенское понимание своих корней. И, словно гонимый безграничностью своей муки, ветрами своего проклятия, Марко (Олег Стефан) в неудержимом порыве «укрыться в беде» — вечная жажда искупления, «жертвенная молитва, жертвенное проклятие, жертвенная любовь и проклятие».

Согласно кодексу курбасовцев, «Не желание играть — что-то в себе услышать, к чему-то прикоснуться» у этого актера затаенно-открыто. «Як хочеться померти…» — философский итог спектакля. Это гамлетовское «Быть или не быть?» в гениальной личностной трансформации украинского поэта, в адекватном посыле его актером — нам, зрителям. Смерть в трактовке Стефана является не утратой, а переходом в другое измерение жизни. В спектакле звучит духовная музыка, народные песни. Музыка вплетена в действие, она в самоощущении актеров, она и «подтекст», она и «над-текст» (музыкальное оформление Натальи Половинки). Лаконично — коврик-дорога — организовывает пространство Наталья Шимин. Геометрически изысканный орнамент, органической составляющей которого являются вмонтированные в него тексты поэта. Это как будто палимпсесты (вспомним: именно так называется последний сборник стихотворений Стуса).

В «Марко проклятому» представлен театр, если можно так сказать, экологически чистый — без навороченных выбросов авангарда, без всяческих электронно-техно-логических заменителей… Современный театр, который отстаивает автономность и своеобразие личностного художественного мира. (Это касается и спектаклей по Сковороде и по Платону).

Театр им. Леся Курбаса — уникальный. Он ни при каких обстоятельствах не предает высокие духовные и художественные принципы, завещанные его гениальным патроном, имя которого носит коллектив. Он безусловно заслуживает действенного внимания и поддержки людей, от которых зависит его будущее.